François Farcy: Quando la pittura diventa linguaggio interiore
Alcuni percorsi non sono realmente scelti, ma si impongono con evidente chiarezza. La storia di François Farcy è una di queste. Prima di diventare pittore, ha lavorato come traduttore, interprete e insegnante… finché uno sconvolgimento personale lo ha riportato in Francia, a mani vuote ma con la mente piena di necessità. È lì che, quasi senza rendersene conto, la creazione ha iniziato a prendere il sopravvento: prima come sfogo terapeutico, poi come linguaggio e infine come vocazione a sé stante.
Oggi il suo universo artistico fonde introspezione, texture, semi-realismo e frammenti di emozioni posati delicatamente sulla tela. Le sue opere parlano di libertà, memoria, transizione, perdita e rinascita. Ci invitano a rallentare, a osservare, a sentire e soprattutto a vivere il momento presente.
In questa intervista, François Farcy riflette sul suo percorso, le sue ispirazioni, i suoi rituali, il suo rapporto con i materiali, le sfide dell’artista contemporaneo e la profonda sensibilità che scorre in ogni sua creazione.
Intervista con un Artista
François Farcy, può parlarci del suo percorso artistico? Come ha iniziato a dipingere?
Ho iniziato circa 7 anni fa. Prima di allora, ero una traduttrice-interprete e un’insegnante di francese in Spagna. Dopo la separazione, sono tornata in Francia e ho iniziato a creare un po’ per caso. All’inizio ho realizzato portacandele e tavolini di legno, poi ho aggiunto la pittura, prima sulle mie creazioni, poi su piccole tele e busti che ho venduto su siti di aste. Questo hobby terapeutico si è gradualmente trasformato in qualcosa di più professionale.
Cosa la ispira maggiormente nel suo lavoro?
Mi piace esplorare nuovi temi e sperimentare. Le mie opere riflettono anche le mie emozioni, spesso inconsapevolmente. La pittura diventa una forma di introspezione, un modo per capire meglio me stessa mentre creo.
C’è un artista vivente o storico che ha influenzato il suo stile?
Non direi che un artista in particolare abbia influenzato il mio stile, ma sono sensibile a ciò che vedo. Chagall mi ispira con la sua poesia e i suoi angeli, ma la mia principale fonte di ispirazione rimane la vita quotidiana, la natura, la luce… Tutto ciò che una persona sensibile può percepire.
Come descriverebbe il suo stile artistico a chi scopre il suo lavoro per la prima volta?
Faccio molte cose diverse, quindi preferisco mostrare piuttosto che descrivere. Ma se dovessi riassumere: semi-realismo, texture, a volte con un tocco di surrealismo ed espressionismo. Gioco con i materiali e le texture per dare vita ai miei soggetti, che vanno dalla nostalgia all’amore, alla memoria o alla perdita.
Qual è il suo processo creativo, dall’idea alla realizzazione?
Le idee arrivano nel corso della giornata. Penso molto prima di concentrarmi su un pezzo. Mi ispiro a ciò che sento, alle mie esperienze personali. A volte le mie tele rivelano inconsciamente i miei bisogni o le mie emozioni, come uno specchio del mio subconscio.
Quanto spazio occupano l’improvvisazione e la pianificazione nel suo lavoro?
Pianifico pochissimo, forse il 30%. Il resto è spontaneo. Anche se inizio con un’idea precisa, spesso il dipinto si evolve in qualcosa di diverso. È questo che rende il processo emozionante e sorprendente.
Ha dei rituali o delle abitudini quando dipinge?
Sì, spesso inizio accendendo l’incenso giapponese e suonando il gong. È un po’ come aprire e chiudere un portale artistico, un rituale per entrare nella mia bolla creativa.
Come sceglie i colori e i materiali?
Uso palette piuttosto scure e naturali: beige, bianco sporco, marrone, blu Klein, viola, verde… Colori che riflettono la natura e la vita, lontani dalle tonalità fluorescenti che usavo prima.
C’è un’opera che occupa un posto speciale nel suo cuore?
Sì, “Liberté onirique”, un dipinto blu con un giovane uomo e degli uccelli, creato alla fine di una relazione difficile. E un dittico di angeli, “Inferno e Paradiso”, realizzato a Lisbona. Queste opere sono molto personali e rappresentano periodi importanti della mia vita.
Quale tecnica preferite utilizzare e perché?
Mi piace esplorare, ma uso molto la texture e la pittura a olio. Mi permette di rielaborare e modellare il materiale, anche se richiede tempo per asciugarsi. Mi piace anche sperimentare con il fuoco per creare effetti speciali. Sono un po’ piromane nel cuore.
Lavora su più pezzi contemporaneamente?
Sì, ho bisogno di varietà per non annoiarmi. A volte sono in corso diversi lavori contemporaneamente, alcuni quasi finiti ma non ancora verniciati o firmati.
Quali messaggi o emozioni cerca di trasmettere attraverso la sua arte?
La mia ultima serie, “Memento Floris”, ci ricorda l’importanza di vivere nel presente. Le mie opere trasmettono il Carpe Diem, la gratitudine e la bellezza effimera della vita.
Come reagisce alle interpretazioni degli spettatori?
Non mi interessa. Trovo divertente stare in un angolo ad ascoltare le persone che dicono che non è affatto buono mentre altri lo adorano. L’arte è molto soggettiva e io non cerco di piacere a tutti. Ho il mio pubblico, sensibile e attento ai miei messaggi, e questo è ciò che conta per me.
Secondo lei, che ruolo ha l’arte nella società di oggi?
L’arte è essenziale e dovrebbe essere insegnata di più. Apre la mente e aumenta la consapevolezza. È una terapia, un mezzo di espressione e una fonte di gioia, per se stessi e per gli altri.
Quali sono le sue sfide come artista oggi?
Condividere le mie idee, sensibilizzare, portare gioia e creare esperienze memorabili per chi scopre il mio lavoro.
Come gestite la visibilità del vostro lavoro?
È complicato. Sono principalmente sui social media, ma è ancora importante essere presenti fisicamente nelle gallerie e nei negozi. L’arte strutturata e viva si vive meglio di persona che attraverso uno schermo.
Avete progetti o collaborazioni imminenti?
Sto lavorando alla serie “Memento Floris”, un omaggio ai fiori e al ciclo della vita. È anche un omaggio a mia nonna, che aveva un sacco di fiori e ha persino vinto il premio del paese perché aveva fatto fiorire tutto, il giardino, la casa, ecc. L’idea è quella di catturare l’effimero e invitare tutti a godere del momento presente.
Se potesse esporre in qualsiasi parte del mondo, dove andrebbe?
Art Basel, che offre un’enorme visibilità, o un museo di Parigi come il Musée de l’Orangerie, che dispone di magnifici spazi per l’esposizione di opere d’arte.
Se potesse invitare un artista famoso a condividere il suo studio, chi sarebbe?
Mi sarebbe piaciuto invitare Basquiat. Mi piacerebbe parlare del suo viaggio e di come ha navigato tra due mondi, dal più semplice al più sofisticato.
Preferisce dipingere in un momento particolare della giornata?
Non al mattino. Inizio quando mi sento pronto, spesso nel pomeriggio o nella prima serata, con calma.
Ha un oggetto fortunato nel suo studio?
Forse il mio gong e un piccolo Buddha. Mi portano calma e protezione e segnano l’inizio e la fine delle mie sessioni creative. Ma c’è anche il mio angioletto che tengo nel mio studio, in alto, a vegliare su di me. È il mio oggetto speciale.
Nel corso di questa conversazione, una cosa appare evidente: per François FarcyLa pittura non è solo una professione né un semplice gesto estetico.Ogni tela diventa un’estensione di un pensiero, di un ricordo, di un’emozione o di un passaggio interiore. La sua arte, intuitiva e materica, è l’espressione di una ricerca di significato, equilibrio e verità personale.
Tra gratitudine, esplorazione emotiva e desiderio di catturare l’attimo prima che sfugga, François Farcy costruisce un corpus di opere che raccontano i cicli della vita: le sue prove e le sue gioie, i suoi finali e le sue trasformazioni. E se i suoi dipinti vi colpiscono, forse è perché portano con sé qualcosa di raro: una sincerità cruda e senza filtri.
Mentre i suoi progetti continuano a crescere, soprattutto attraverso la serie “Memento Floris”, l’artista continua ad andare avanti con la stessa sensibilità e lo stesso bisogno vitale di creare. Una cosa è certa: il suo viaggio è appena iniziato.
